Sixpack France présente un livre de Jonas Delaborde fraichement publié et maintenant disponible Ici.

Jonas Delaborde est un artiste français né à Paris en 1981.
Diplômé des Beaux-Arts à Paris en 2007, il crée en 2006 la revue Nazi Knife en collaboration avec Henrik Hegray. Celle-ci deviendra une institution pour l’art psychédélique, idiot et absurde. Huit numéros ont été publié à ce jour avec la participation d’artistes tels que Dennis Tyfus, John Olson, Robert Beatty, Julien Carreyn, CF, James Ferraro, Mehdi Hercberg, etc.
Nazi Knife a notamment organisé des expositions en Italie à Milan et Rome en 2010 ainsi qu’aux USA à New York et Los Angeles.
Il devient par la suite le directeur artistique de la revue False Flag qu’il crée avec son collaborateur Hendrik Hegray. Cette nouvelle publication sortie des bas-fonds met en valeur des édifices abandonnés, des dessins et autres objets cassés. De grands noms de la photo, du dessin et de la sculpture ont  notamment participé à l’élaboration de cette publication tels que Cameron Jamie en passant par King Terry ou encore Lili Reynaud Dewar.
Depuis 2006, il est l’un des principaux membres de Frédéric Magazine, un collectif axé sur le dessin, et, comme tel, fait partie de nombreuses expositions en France et en Europe.
En tant qu’artiste solo, Jonas Delaborde fait des dessins, des sculptures et publie des livres. Ses œuvres impliquent des références venant de l’architecture et du design, des motifs colorés et une forte sensation de science-fiction.
Ses publications en solo sont toutes libérées sous le titre générique FFOR. Certains des derniers numéros ont été publiés par Sixpack France (Avignon), Nieves (Zürich), Innen (Budapest) ou encore Sister (Harsh Patel - Los Angeles).
Ses travaux de sculptures ont été récemment exposés dans des exposition collectives à La Vitrine à Paris.

Nous l’avons rencontré à l’occasion de la sortie de son livre “Building Apocalypse City” aux éditions Sixpack France.

> Peux-tu expliquer comment tu en es venu à travailler sur ce livre, et en quoi il s’articule avec ce que tu as fait avant ?

Ce livre est ma réponse à l’invitation de Lionel Vivier, de Sixpack. Je l’ai contacté il y a un certain temps maintenant, parce que j’avais envie de travailler pour des vêtements. Ensuite, on s’est rencontré et on a discuté.

La plupart des dessins que j’ai réalisés ces trois ou quatre dernières années sont parcourus par quelques obsessions, plutôt faciles à identifier et à nommer : les folies architecturales, la sculpture monumentale, les motifs textiles ou mobiliers et le design radical des années 70 et 80. Vient s’ajouter à tout ça un sentiment diffus d’apocalypse, ou d’un après l’apocalypse.
Comme je ne voulais pas recycler des images ou des dessins que j’avais conçus pour d’autres véhicules, j’ai voulu envisager un livre entièrement nouveau. Je voulais qu’il s’agisse d’une sorte de somme qui reprenne ces obsessions que je viens d’évoquer à l’intérieur d’une forme cohérente. Il m’a semblé logique qu’il s’agisse d’un objet clos (d’où l’idée de cycles et de boucles temporelles, qu’on trouve dans les listes et dans la première série de dessins).

> D’où viennent les photos de bâtiments ? D’une base de données ? D’un peu n’importe où ? Tu les as prises toi-même ?

J’ai pris toutes les photos moi-même, spécifiquement pour ce projet. Je suis retourné à Metz, avec ma copine, dans le quartier où se situe mon ancien lycée.
Ce quartier, qui s’appelle Technopole Metz 2000, a été élaboré par des responsables politiques qui ont manifestement essayé d’imaginer un ensemble architectural homogène. Je ne suis pas complètement certain de ce qu’ils voulaient construire : quelque chose qui incarne leur idée du futur, qui matérialise leur vision d’un dynamisme entrepreneurial local et universitaire mélangés avec leurs fantasmes de science-fiction provinciale.
La nature obsolète, générique – et néanmoins puissante – de l’ensemble me fascine. Si on compare ce technopole à celui d’une autre ville de province, je suis certain qu’il n’y aurait pas beaucoup de différences. Pourtant, quand on s’y promène, on peut percevoir une dimension d’immatérialité propre au rêve. Mais c’est un rêve incolore, inodore et en plexiglas, bordé de bosquets moisis et posé sur des dalles de béton. C’est la vision d’un futur collectif anesthésié.

> Pourquoi avoir travaillé exclusivement au feutre ?

Ça me semble important, pour quelqu’un de cérébral (fatiguant) comme moi, de garder une approche qui permette la lisibilité des erreurs, des maladresses, des repentirs. Mais peut-être que c’est une coquetterie dont j’ai du mal à me débarrasser et que je devrais assumer une forme plus clinique.
Je crois aussi que j’avais envie d’être dans un registre graphique proche du projet d’architecte, pas très loin non plus de l’esquisse de styliste.

Et, plus simplement, j’ai une gamme de couleurs qui me plait et j’aime travailler à l’échelle des pages imprimées.

> Le livre juxtapose des dessins de « villes apocalyptiques » et des photos de bâtiments années 90/00 aux formes parfois vaguement néo-religieuses ou monumentales. Tes illustrations s’appuient-elle sur une sorte d’impossibilité ou d’épuisement de leur propre fonction représentative quand on les place au milieu de ces photos ?

Il y a une jubilation proche de celle du sculpteur à combiner des éléments disparates, certains relevant de l’anecdotique, ou du décoratif, d’autres issus de registres archétypaux. Et au-delà, toute l’opération vise à illustrer un plan d’édification imaginaire, déterminé dans une temporalité imaginaire elle aussi.

La série de dessins des monuments fonctionne en tant qu’ils résistent à une identification immédiate, que ce soit de leur nature comme de leur échelle ou même d’éléments purement fictionnels comme l’époque dont ils seraient issus ou les matériaux desquels ils seraient constitués.
Honnêtement, j’ai du mal à définir leur statut, encore maintenant. Je les ai dessinés comme on dessinerait le futur de mémoire. En même temps, je crois qu’ils n’ont de valeur que décorative, dans le sens mélancolique du terme. Donc d’une certaine manière, oui, lorsqu’il ne reste plus que les guirlandes à disposer sur une planète ravagée, on peut parler d’épuisement. Ces dessins ne réactivent aucun espoir, ils ne représentent rien, ils sont les relevés archéologiques d’un projet de cimetière à édifier dans un monde sans oxygène.

>  La dynamique banalité sublime/psychédélisme vrillé du livre m’a évoqué une sorte de passé récent, animé par un esprit utopique un peu ambivalent mais néanmoins attachant, assez proche des effets produits par la musique « hypnagogique » de gens comme James Ferraro, Matrix Metals ou Dylan Ettinger : est-ce une inspiration possible pour toi, ou est-ce que je me trompe complètement ?

Quand on a commencé Nazi Knife avec Hendrik Hegray, on était vraiment impressionné et enthousiasmé par les Skaters. Hendrik faisait souvent des échanges avec Ferraro et il se débrouillait, quand il y pensait, pour récupérer deux copies de tout ce que James lui envoyait pour que j’en ai une. Donc sa musique a effectivement été une bande son, intermittente mais régulière, depuis 2004-2005, disons.
Même récemment, j’ai beaucoup écouté l’album de Bebetune$ par exemple. Et je suis toujours content quand on arrive à montrer des collages de James ou de Spencer dans Nazi Knife ou dans False Flag.

Ceci dit, je ne sais pas si on peut dire que ce genre de musique soit une inspiration, d’autant que je n’écoute pas du tout Ettinger, ni Matrix Metals, ou Lopatin.

Mais la question du psychédélisme est importante, et compliquée, pour moi. Par exemple, les notions de saturation, ou d’ubiquité, ou d’utopie politique parcourent mon travail et constituent pour le coup, des influences indéniables. Même si, au final, tout ce qui reste, c’est quelques dessins de monuments colorés qui n’existent pas.

Et la musique qui, à travers des grilles vissées sur des faux rochers, pourra être diffusée à ce moment-là (quand il n’y aura plus personne, plus que des monolithes fissurés et recouverts de motifs Nathalie Du Pasquier), sera plutôt de cet ordre : http://www.youtube.com/watch?v=nPUDMAd6Q4s.

Jonas Delaborde X Sixpack France T-Shirts

Jonas Delaborde X Sixpack France Book

Le regard du Graphiste Benbo George porté sur l’univers singulier du cinéma de Gregg Araki.

Trois Tee-shirts extrait de notre collection Printemp/Été 2012.

Tee Shirt “$6,66″

Tee Shirt “Eat My Fuck”

Sixpack France vous invite au Café de la Place à St Remy de provence.

Afin de célébrer ce début d’année et de mettre a l’épreuve toutes nos bonnes résolutions nous vous invitons a venir vous détendre, boire une coupe de champagne , découvrir la carte et aussi écouter du Rock solaire, du Punk-rock, du Funk Psychedélique, de la Techno de Detroit , du Jazz dans le ravin, de la House made in Chicago, de la Disco Française et de la Pop synthétique.

Afin de ressusciter une fois de plus l’esprit malin, nous invoquerons pour vous les spectres de Marvin Gaye, Jimi Hendrix, Arthur Russell, Théo Parrish, Masters at Work, Television, Gang of Four, Norman Whitfield, Jean-Pierre Massiera, Drexciya etc…

Avec :
Monsieur Matsa
Dj Zeeman on L.S.D

Le 14 Janvier 2012

A partir de 20h00 jusqu’a 2h00.

Athée mais mystique, prônant souvent la jouissance immédiate, érigeant la toute-puissance de la jeunesse, le génie pop né dans les années soixante est un exemple de rupture totale avec toute société traditionnelle occidentale et donc chrétienne.

Naïvement et de manière inévitable, les nouveaux codes de la jeunesse issus des flamboyantes Trente Glorieuses, ont quelque chose de luciférien.

Dès le Milieu des années cinquante, les jeunes et particulièrement ceux d’outre-Atlantique, expriment à travers leurs comportements, une volonté de faire table rase d’un passé trop lourd à porter. Ignorer la mémoire collective pour mieux exister individuellement, mieux jouir de l’instant; autant de postures qui rappellent les préceptes du sataniste notoire Aleister Crowley, créateur de la secte de Theleme, en référence à l’abbaye éponyme dans le Gargantua de Rabelais.

«Fais ce que tu voudras est la seule Loi.»

Chapitre III du Livre de la Loi - Aleister Crowley

Il en a rêvé, les sixties l’ont fait. Et si cette décennie n’avait été qu’une immense messe noire ?

Entre le rejet progressif des contraintes patriarcales et les ambitions libertaires du mode de pensée luciférien, il n’y a qu’un pas que certains acteurs de l’aventure des années soixante n’ont pas manqué de franchir. Du changement culturel radical apporté par la «culture jeune», naît une nouvelle valeur absolue: le plaisir. Ce même plaisir érigé en droit inaliénable par les adorateurs de Satan. Le rock and roll, avec ses rythmes hypnotiques et ses danses suggestives, fournit, dès les premiers déhanchés d’Elvis, sa dose parfaite d’odes au sexe et au plaisir à l’Empire Pop naissant. En 1963, la culture teenage gagne définitivement l’Europe grâce à quatre garçons générateurs d’hystérie collective. Boots Anello & Davide et basse Hofner en guise d’objets d’un tout nouveau culte païen, les Beatles deviennent naturellement «plus populaires que le Christ.» Blasphème ultime de John Lennon, qui, en 1965, achève de sceller le pacte entre Le Diable et la pop culture. Dès lors, la tourmente pop s’intellectualise, et prend conscience de ses liens avec l’occultisme. Dans la deuxième moitié des sixties, les idoles pop multiplient les références aux pratiques ésotériques et entretiennent des rapports avec des personnalités revendiquant une appartenance luciférienne. Kenneth Anger, réalisateur proche du créateur de L’Eglise de Satan Anton Lavey, est réciproquement attiré par la culture teenage, en laquelle il voit un accomplissement de ses croyances. Selon ses propres mots «Lucifer est un rebelle adolescent». Pour le film Lucifer Rising qu’il entreprend de tourner en 1967 (mais qui ne sortira qu’en 1981), Anger fait appel à l’égérie Marianne Faithfull ainsi qu’à Mick Jagger (c’est finalement son frère qui jouera dans le film). Ce film, qui se veut être «une vrai invocation de Lucifer», demeure aujourd’hui un vestige d’une décennie magique, où l’avènement d’une culture exaltante épousa les mythes païens les plus troublants.

Louis VIAL

Sixpack France tribute to Kenneth Anger

Margot.monmodele.com (éditions Questions théoriques, coll. « Réalités non couvertes ») est un ouvrage réalisé par une jeune femme qui a été modèle amateur pour photos de charme pendant quelques années. Il rassemble des photos prises pendant les séances, des emails que les photographes lui envoyaient, des stats issues des sites qu’elle utilisait, des transcriptions de propos tenus pendant ces séances. Ça donne un objet un peu trouble, super drôle par moments, un livre qui fait l’inventaire de pratiques très particulières, centré autour d’un modèle dont on n’entend jamais la voix. On dirait un dossier constitué par un agent double. Valeria (qui elle a plutôt fait le modèle photo amateur pour autoportraits de charme) a posé quelques questions à Margot M. sur l’élaboration du projet, et son incursion dans un monde qu’on connaît peu.

> Tu as commencé à être modèle photo à quel âge ?

J’avais 19 ans. Ça a commencé un peu par hasard, avec deux amis à Montpellier. On passait une soirée ensemble, on devait fumer des joints et boire un peu de vodka. Je ne sais plus trop comment ni pourquoi, on a décidé qu’ils me prendraient en photo avec leur téléphone portable, je me suis mise en lingerie. J’avais mon photographe et mon styliste, qui me remettait les cheveux en place. On s’est refait ensuite une séance chez moi, enfin, chez ma mère, avec l’appareil numérique de ma sœur. C’était dans ma chambre, avec le balai de sorcière à l’arrière et le chargeur de téléphone qui traînaient dans la photo. Puis on a découvert qu’il existait des sites de contact entre photographes et modèles, où on a mis les photos qu’on avait faites avec l’appareil numérique.

> Et donc, cette première fois, c’était pas du tout cul ?

Ah non, pas du tout ! Ils ont fait leurs photos, moi j’ai posé et puis voilà. On s’est vraiment pris au jeu.

> Une fois que tu as mis les photos en ligne, tu as eu plein de demandes ?

En fait, après les avoir mises en ligne, pendant un moment j’ai complètement oublié de regarder si oui ou non j’avais des demandes. Quelque temps après, je suis allée voir, et effectivement, des personnes m’avaient contactées. Et là je me suis dit : « Tiens, ça marche… » Je ne m’y attendais pas. Et j’ai répondu. C’est d’ailleurs des gens avec qui je suis toujours en contact, certains sont devenus des amis.

> Qu’est-ce que ça faisait de poser pour des gens que tu ne connaissais pas ?

Ce n’était pas angoissant du tout. Je n’avais pas peur. C’était l’aventure, tu ne sais jamais sur qui tu vas tomber… C’était vraiment drôle.

> C’était difficile ?

Non. Je n’avais pas de mal à jouer le rôle qu’ils voulaient que je joue devant eux.

© Photodelles

> Tu étais un bon modèle, en fait !

En général, ils étaient contents ! Souvent, il y a des relations qui se créent, des gens que tu revois, avec qui tu retravailles…

> Comment tu fixais une limite entre ce que tu faisais et ce que tu ne faisais pas ?

Je ne m’en suis jamais vraiment fixé… La limite, c’est peut-être que je n’ai jamais fait de sexe avec quelqu’un d’autre pendant qu’on me prenait en photo. C’était toujours toute seule – mais après, moi toute seule, ça ne me dérangeait pas… s’ils me payaient bien pour le faire, je le faisais. Parce que c’est sûr que ce n’était pas, dans ces cas-là, pour la qualité des photos.

> Qu’est-ce que tu pensais des photos ?

Elles étaient toujours très étonnantes. Généralement, ces photographes amateurs ont un matériel assez sophistiqué. Tu en as qui achètent des reflex, qui s’équipent vraiment. Ils n’arrivent pas avec un appareil photo jetable (enfin, c’est arrivé une seule fois, mais lui ne voulait pas photographier, juste « danser »). Aussi, ce qui était étonnant, c’est que certains se foutaient de l’endroit où on était. Si on était dans une chambre d’hôtel, ça ne les gênait pas de prendre un téléphone derrière ou bien une armoire avec tous les cintres vides. Mais ce n’est vraiment pas le cas pour tous. Et puis il y a ceux qui font des retouches par ordinateur. C’est merveilleux, la façon qu’ont certains de retoucher leurs photos.

> J’ai l’impression que ce qui t’intéresse, c’est le fait que ça soit beau pour eux.

C’est vrai. Ce qui est intéressant, c’est de voir les types d’images qu’ils ont envie de faire avec leurs modèles… Ils ont la fille, ils ont un lieu, ils ont l’appareil photo et ils font les photos qui correspondent à ce qu’ils trouvent beau.

© Fafou

> En réalité, prendre des photos, ce n’est jamais leur boulot ?

Absolument jamais. Ils décrivent ça comme un hobby. En fait, tu as plein de profils différents. Il y a ceux dont tout l’entourage est au courant de leur pratique, et ceux, mariés ou pas, pour qui c’est un « jardin secret » – c’est le terme qu’ils emploient. Dans ce cas, leur femme ou leur petite amie n’est pas au courant, et ils font ça sur leurs heures de travail.

> C’est marrant.

Il y en a pour qui c’est vraiment une activité parallèle à leur vie de couple. Ils te disent qu’aller voir des escorts et des prostituées, ça ne les intéresse pas. En fait, la frontière est très mince parce qu’il est facile de profiter de ce champ pour se prostituer : c’est tranquille, tu fais ça, tu as un site qui est tout fait pour… Aussi, il arrive que certains te proposent un billet en plus pour se masturber en fin de séance. J’en ai rencontré quelques-uns. Dans le livre, par exemple, dans la première transcription d’une discussion téléphonique, il y a celui qui veut se « caresser » devant moi et « éjaculer » sur mes chaussures, pour reprendre ses termes. Au début je leur disais : « Non, tu pourras le faire une fois que je serais partie. » Après j’ai dit : « Ok, tu le fais, mais à condition que tu me payes plus et que je te prenne en photo. » Certains ont accepté, il est donc arrivé quelques fois que je les photographie en train de se masturber en fin de séance.

> Pourquoi tu les prenais en photo ? Ça fonctionnait comme une transaction ?

J’avais déjà le projet du livre, donc, en plus des mails, des transcriptions et des images qu’ils faisaient de moi, je trouvais intéressant de montrer que les rapports pouvaient s’inverser, qu’eux-mêmes pouvaient accepter, voire souhaiter se mettre en scène devant l’appareil photo, inverser les rôles, « devenir modèle ».

> Tu n’as jamais été escort ?

Non, ça ne m’intéressait pas. Ce n’est pas du tout la même chose que de poser… Un jour, pour le livre, j’ai répondu à un homme qui voulait que je l’accompagne au resto. Je lui ai dit : « moi, je suis modèle photo, je ne suis pas escort, je veux bien vous rencontrer, dîner avec vous, mais après, rien n’assure que ça aille plus loin… » Je comptais discuter avec lui pour pouvoir transcrire ses propos et peut-être les injecter dans le livre, mais finalement je ne l’ai pas fait.

> Comment as-tu choisi le dispositif du livre tel qu’il est maintenant ?

Ça a été assez compliqué… La plus grande difficulté était de trouver comment, une fois tous ces matériaux réunis, en faire « un livre ». Je ne sais pas combien de maquettes ont été tentées avant d’en arriver à celle-ci… La question était de savoir ce qui était le plus pertinent, le plus fonctionnel : comment disposer les textes et les images, s’il fallait les « mélanger », qu’ils « se répondent » dans leur disposition même, ou bien les séparer totalement, en mettant tous les textes d’un côté du livre et toutes les images de l’autre, s’il fallait ou non mettre plus en valeur l’un par rapport à l’autre… Finalement, il a été décidé de les mettre sur le même plan, raison pour laquelle nous n’avons pas souhaité imprimer les images sur un papier photo type « papier glacé ». Une fois ces choix faits, et avec les conseils, les remarques, les avis d’amis, il y a eu un long et difficile travail de coupe des transcriptions, de réagencement des différents éléments… pour en arriver au dispositif du livre tel qu’il est maintenant.

> C’est marrant que tu aies choisi d’enlever ta voix du bouquin.

Ça s’est fait automatiquement. Quand j’ai commencé à transcrire les séances, je n’ai pas transcrit mes réponses. Mais c’est ça qui est intéressant, c’est que, finalement, eux parlent de moi, répondent à ce que je peux dire, ma voix est là même si elle n’est pas transcrite, on la devine.

> Oui, ça trace un portrait de toi aussi, finalement.

Tout à fait.

© Fafou

> À quoi tu penses quand tu poses pour des photos ?

C’est bizarre, tu deviens un objet malléable, dans le sens où tu es toi, bien sûr, avec tes désirs, etc., mais à partir du moment où j’acceptais de faire les choses qu’ils me proposaient, je me détachais un peu de moi-même et « répondais » à leurs demandes. C’est quelque chose d’assez automatique. Le photographe va te dire : « Lève la tête » et tu vas lever la tête, « Regarde-moi » et tu vas regarder l’objectif. À un moment tu es des yeux, à un autre un sexe, à un autre encore une cambrure… Tu n’es pas dans quelque chose où la pensée est vraiment là. Par contre, vers la fin, quand je faisais des séances en ayant en tête la conception du livre, c’était surtout à ça que je pensais. Je les écoutais parler et je me disais : « Tiens, ça, ça va être chouette à transcrire, ça c’est intéressant. » Du coup, je pensais au matériau que j’étais en train de récolter. Tout ce que je faisais, tout ce qu’ils me disaient, tout ce que je répondais allait fabriquer ce qui pourrait être réinjecté, ou non, dans le livre.

> C’était pénible, parfois, de poser ?

Parfois, c’est sûr, j’aurais préféré rester dans mon lit ! Mais j’en tirais aussi quelque chose. Je n’en ai pas du tout souffert, ni à ce moment-là, ni jamais. Ça a été une expérience très riche et très intéressante.

> Tu n’as jamais eu envie de prendre des autoportraits ?

Si, j’y ai pensé. J’ai même acheté un pied pour mon appareil. Mais peut-être que toute seule, je ne saurais pas par où commencer.

Sixpack France vous invite à la Collection Lambert le vendredi 16 Décembre à 21H00, pour la projection de “It Was On Earth That I Knew Joy“, un moyen métrage réalisé par Jean-Baptiste de Laubier.

“It Was On Earth That I Knew Joy“ est semblable à ces aventures où tout s’enchaîne de manière évidente. Une lapalissade enfouie depuis longtemps en nous et exaucée enfin…
Une épopée évidente avec à son bord Jean-Baptiste de Laubier, DJ et producteur (Para One), diplômé de la FEMIS, qui déposa à 19 ans ses premières vidéos sur le seuil de la porte de Chris Marker…

La Collection Lambert a ouvert ses portes en juin 2000 dans un ancien hôtel particulier du XVIIIe siècle. Yvon Lambert, galeriste et collectionneur, a décidé d’y mettre en dépôt sa collection personnelle, en vue d’une donation future. 350 oeuvres des années 60 à aujourd’hui constituent le fonds conservé à Avignon.

Commencée dès les années 60, la Collection Lambert représente les goûts du collectionneur, ses aspirations et ses passions : l’art Minimal, l’art Conceptuel, le Land art, la peinture dans les années 80, puis dans les années 90, la photographie et la vidéo. Sont ainsi conservés des artistes aussi prestigieux que Cy Twombly, Robert Ryman, Andres Serrano, Sol LeWitt, Nan Goldin, Donald Judd, Brice Marden, Daniel Buren, Dennis Oppenheim, Gordon Matta-Clark, Anselm Kiefer, Miquel Barceló, Julian Schnabel, Jean-Michel Basquiat, Douglas Gordon, Bertrand Lavier…

Le musée produit 3 expositions par an qui présentent les artistes et les mouvements phares de la scène contemporaine, et développent des activités culturelles et pédagogiques à l’attention d’un public local, national et international de plus en plus nombreux au fil des ans.

Sur réservation, merci d’envoyer vos nom et prénom à cette adresse: s.ibars@collectionlambert.com

www.sixpack.fr
www.collectionlambert.fr
http://metroresto.free.fr/

Collection Lambert en Avignon
5 rue Violette
84 000 Avignon

Sixpack France & Privé présentent

“SIXPACK’S X-MAS DISCO PARTY”

With RITON (MODULAR-CARTE BLANCHE/LONDRES) and guest Monsieur Matsa

DJ  PHÉNOMÈNE DES DANCEFLOORS EUROPÉENS, COMPLICE DE 2MANYDJ’S ET DE DJ MEHDI, RITON EST UN SURDOUÉ QUI VA METTRE LES BOULES AU SAPIN DE NOËL DE SIXPACK !

Vendredi 23 Décembre

Privé - Lieu dit des Cavernes / Route de Tavel / Les Angles / Avignon (France)

Cinéaste direct de la politique-fiction, grand témoin de la gauche radicale américaine et co-fondateur du Newsreel movement, cette coopérative de cinéastes dédiée aux actualités filmées, Robert Kramer (1939-1999) est l’instigateur d’une démarche différente de ce que l’on entend aujourd’hui par faux documentaire à la Rec, District 9 ou autre Cloverfield. Kramer, qui redoute la normalité et l’oppression intrinsèque qui la fonde, produit une expression artistique empreinte d’une pluralité de voix et de personnages que la présence directe du cinéaste rend originale, libre et malléable. En mixant ainsi document et fiction, il fait de ses films l’outil fondamental de l’observation des expériences individuelles et collectives.
Lorsqu’il retourne à Hanoï, caméra au poing, curieux d’observer et d’écouter le Vietnam des années 90 - il s’était rendu dans le pays en 1969 avec une délégation d’Américains opposés à la guerre, pour en revenir avec People’s war, document militant d’un intellectuel engagé dans le combat anti-impérialiste -, il vient surtout confronter les récits de sa précédente visite aux nouvelles réalités de ce territoire meurtri.
Tout au long de sa vie, Robert Kramer n’aura de cesse d’interroger les avancées de l’histoire et des luttes et de mettre en réflexion les idéaux et leurs organisations, afin de vérifier l’intemporalité de leur pertinence. Ainsi, avec Ice (1970), où le cinéaste sonde dans les esprits et dans les corps les limites d’un désir de révolution dans le contexte des États-Unis de la guerre du Vietnam et des mouvements contestataires et Millestones (1975), Robert Kramer rend-compte du tournant paradigmatique d’une gauche radicale nord-américaine affaiblie, dépolitisée et désormais entièrementoccupée à sa propre survie.
Ses allers-retours critiques incessants entre passé et présent ainsi que ses voyages, d’un extrême à l’autre des continents américain et européen, font de Robert Kramer un cinéaste nomade, libre et sans attache. Une indépendance que Kramer met au service du dialogue entre les hommes, un dialogue fait de clarté et de confusion, comme la source nuancée de la restitution du réel. Robert Kramer se défend pourtant de chercher à décrire une réalité exempte de mise en scène. Il déclare ainsi lors d’une interview en 1996 : «Chaque fois que je travaille avec un personnage, trois choses sont en train de se passer. La première, c’est le sujet qui se met en place de l’autre côté de la caméra pour être filmé - ça peut être plus ou moins contrôlé, aller dans un sens ou un autre. La deuxième, c’est moi qui mets cela en scène d’une manière plus traditionnelle. Je dis : on va tourner ici, la lumière va être un peu comme ça, je vais faire ça et ça. Donc, je mets en scène quelque chose qui est là, le “réel”. Et il y a une troisième chose, une chose qu’on fait ensemble parce que finalement, ce qui m’intéresse beaucoup, c’est de cacher très peu, j’aime les situations où on négocie sur ce qu’on va faire. Alors, les différences entre ce travail-là et ce qu’on fait quand on fait un film de fiction m’échappent. […] Dire qu’il y a une frontière absolue nous bloque  et nous laisse avec une fausse idée de la fiction et une fausse idée du documentaire, parce que le documentaire n’est jamais réel et que la fiction n’est jamais “fictive”. »
Route One / USA illustre certainement cette ambivalence de la façon la plus évidente. Kramer y questionne l’identité de son pays d’origine et de ses habitants en filmant un espace de cinéma et de fantasme. En posant ainsi la question de notre rapport au sol et à l’histoire du pays dans lequel on a vécu, il nous renseigne sur la fonction centrale de la mémoire collective dans la construction de nos propres devenirs.

Intime et radical, ce morceau d’Encre opère comme tous les autres sans anesthésie, et tranche dans le vif de nos états d’âme. Triste par la force des choses ou désabusée par lassitude, cette balade dans les tréfonds des amours bancales se pose comme un mal nécessaire.

Mur de son et clameur apocalyptique dans un appel à la révolte qui sonne comme un appel à l’aide. Arnaud Michniak vous invite à sa psychanalyse, c’est froid, brutal, c’est la vie sans fard.

Grand écart entre mélodies légères et oraison pour le moins alarmante, comptine pour bébés junkies, la contagion est immédiate et file autant la nausée que l’objet de son propos.

Esprits retors, idées claires et instabilité adolescente sous perfusion opiacée, Medikao convulse sa rage à 125 bpm à la manière des meilleurs représentants post-punk. Un bijou “à la française”, injustement méconnu.

Tous faits de chair et de sang, nous autres entendrons résonner la musique de Kat Onoma différemment. Mais profondément.

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